Adapter une optique Canon sur un reflex Nikon et réciproquement. Bientôt une réalité avec CNbridge.

1 avril 2013 By

adapter-une-optique-nikon-sur-un-reflex-canon-shots-2013Décidément rien n’arrête l’imagination des industriels sud-coréens et encore moins leur sens avisé du business. Ce que la société Kankin Corp. basée à Séoul, s’apprête à faire, c’est à la fois briser un tabou de l’histoire photographique industrielle contemporaine et dans le même temps assouvir le fantasme de millions de photographes. Pouvoir adapter librement une optique de la gamme Canon EF sur un reflex Nikon ou l’inverse, être capable de monter n’importe quelle optique Nikkor sur un EOS numérique, en utilisant une bague d’adaptation de la taille d’un doubleur de focale.

On imagine aisément le profit que pourront tirer les photographes, notamment ceux qui apprécient les qualités de l’une ou de l’autre marque, sans devoir sacrifier l’une des deux sur l’autel de la compatibilité. Qui n’a jamais rêvé de pouvoir monter un EF 135mm f2L sur un boîtier musclé comme Nikon D800 ou à l’inverse d’être en mesure d’utiliser un Nikkor 14-24 f2,8 sur un EOS 5D Mark III ? Tout en conservant les capacités intégrales de l’optique (AF, mesure d’expo, VR, etc…). Inutile de dire que sur ce coup-là, la firme sud-coréenne vise un marché absolument monstrueux, d’autant que le prix de vente public annoncé (inférieur à 500 US$) positionne ce produit prometteur sur un segment grand public. En revanche, les réactions des deux leaders du marché de la photographie, Canon et Nikon, en particulier sur le terrain judiciaire pour violation de brevets, ne devraient pas tarder. Le produit quant à lui serait disponible au printemps 2014 pour sa version Canon, suivi de la version Nikon au début de l’été.

• source : Jonas Press agency.

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Photographie. Je dis M.

25 mars 2013 By

m-vieilles-charrues-benevoles-par-herve-le-gall-shots-2010La scène se passe il y a quelques années, dans le pit des Vieilles Charrues, avant un set. Je demande innocemment à cette jeune photographe dans quel mode elle travaille, elle me répond goguenarde : « En mode M tiens ! » Avant d’ajouter immédiatement, dans un éclat de rire : « Si je ramène des clichés à la maison autrement qu’en mode M, c’est l’engueulade assuré avec mon chef ! » Petite précision utile, non content d’être son chef, c’était aussi son père, un photographe professionnel. Deux excellentes raisons, donc, de ne pas contrarier le taulier. En écrivant ce billet, ce matin, j’ai bien conscience que je ne vais pas améliorer mon score auprès d’une frange de mon lectorat. Mais qu’importe, je n’écris pas pour les obtus, encore moins pour les indécrottables, mais pour ceux qui veulent avancer et surtout comprendre. Posez-moi les bonnes questions, je vous donnerai les bonnes réponses ! Demandez-moi pourquoi je travaille en mode manuel et quasi exclusivement dans ce mode. Vous avez noté le mot « quasi », ce qui signifie que si je bosse en mode M la plupart du temps, il peut m’arriver d’utiliser d’autres modes. Comme le disait mon ami Géronimi (un autre adepte de la lettre M), la seule règle en photographie c’est qu’il n’y a pas de règles. Rien n’est imposé et surtout rien n’est figé, d’autant que les appareils photo numériques apportent aujourd’hui une grande souplesse de travail. Vous rendez-vous compte du pas franchi en matière de technologie ? Allez, je sens que ça vous tente, petit retour en arrière.

Back to seventies. À l’époque les deux marques, rendez-vous compte, rouge et jaune, sont déjà là. Les reflex sont déjà très évolués, ils sont équipés d’une cellule qui mesure l’exposition TTL, through the lens, alors qu’avant, il fallait analyser la lumière avec un posemètre et les erreurs dramatiques que ça pouvait entraîner. Parce que la lumière, ça voyage vite, c’est très changeant, ça peut évoluer de manière radicale d’un point A à un point B. Alors une cellule capable de mesurer l’exposition d’un lieu éloigné, rien que ça c’était un immense pas en avant. En revanche, pour la mise au point, il fallait faire confiance à son œil et pour le reste c’était à la main. En clair, si on n’avait pas pigé l’adéquation entre l’ouverture du diaphragme et la vitesse à laquelle le rideau s’ouvre et se ferme pour exposer la pellicule, on était aux fraises ! La pellicule, quant à elle en ces temps reculés, affichait sa sensibilité à la lumière en ASA (American Standards Association), avant d’être remplacé à la fin des années 80 par la norme ISO. Bref, ASA ou ISO, c’était pareil. Quand on avait choisi de commencer à une certaine valeur, on était condamné à finir. Cela dit, avec des pellicules standards de 36 poses, on arrivait rapidement au bout. C’était comme ça avant, mais ça, c’était le avant. T’avais pas franchement le choix, ou tu comprenais comment ce bouzin fonctionnait et tu sortais du matos potable ou tu étais à côté de tes pompes. Comprenons-nous bien, je n’ai aucune nostalgie de cette époque. Je suis le premier à trouver pratique le mode autofocus (quand il fonctionne) et à savourer le fait de pouvoir commencer un travail à 100iso et de pouvoir faire évoluer la sensibilité selon le besoin. En revanche, le truc sur lequel je ne transige pas, vieille réminiscence de mon passé, c’est le mode manuel. Caprice de diva ?

Non. Pour moi, je l’ai dit et répété, quand j’ai mon Nikon D4 entre les mains, le capitaine, celui qui dit où on va et comment on y va, c’est moi. Ici pas question de ghost in the shell. Si mon viseur indique que je suis sous-ex et que je déclenche, c’est mon problème. Si je décide de bosser à f7 plutôt qu’à f2 c’est parce que je l’ai décidé en conscience. Je ne supporte pas l’idée de travailler autrement, mais encore une fois, chacun voit midi à sa porte. Je me souviens d’avoir croisé un photographe de renom qui avait, à l’époque, acheté un reflex Nikon haut de gamme et quelques optiques sublimes (toute la collection f1,4 excusez du peu). Alors que je lui demandais innocemment dans quel mode il travaillait, il avait lâché, brut de décoffrage : « en mode programme. Maintenant les appareils sont assez évolués pour se démerder à produire une image correcte alors je vois pas pourquoi je continuerais de m’emmerder avec tous ces réglages ! » Et pourtant ce gars venait de l’argentique, mais il avait fait son choix et je ne lui jette pas la pierre. Encore une fois il n’y a pas de règle et l’aristocratie du mode M est une foutaise, ça n’existe pas. On n’a pas à se sentir meilleur parce qu’on utilise le mode manuel, de la même manière qu’on n’a pas à se sentir inférieur ou à développer un complexe d’infériorité parce qu’on utilise un mode semi-automatique. Récemment un photographe m’a demandé si j’utilisais le mode iso automatique. J’ai d’abord cru à une blague ou une ironie de second degré, mais non, la question était sérieuse. Mon interlocuteur ne comprenait pas comment il est possible de réaliser un cliché en mode manuel dans des conditions de lumière changeante comme le concert. En fait je pourrais volontiers retourner la question, tant pour moi (j’insiste sur le moi), il n’est pas possible de réaliser un bon cliché en concert en étant en priorité ouverture (ou vitesse). Est-ce pour autant que je conseillerais à un photographe débutant d’utiliser le mode M ? Sûrement pas.

Vous êtes débutant photographe et vous voulez un conseil ? Pas de complexe, utilisez le mode programme et la sensibilité automatique. Tous les reflex numériques d’aujourd’hui savent faire ça. En revanche, appliquez-vous au cadrage, prenez votre temps. Comme le disait François Truffaut dans « La nuit américaine » attachez-vous d’abord à rendre beau ce qui apparait à l’écran. N’hésitez pas à essayer, à tester des cadrages audacieux, à exercer votre regard, votre esthétisme, et surtout n’ayez pas peur des autres. Personne n’ira mettre le nez dans vos données EXIFS pour savoir dans quel mode ou avec quels réglages vous avez shooté. Le seul truc important, au risque de me répéter, c’est que l’image soit jolie et qu’elle vous plaise, à vous. Le reste suivra naturellement. Un jour ou l’autre vous ferez la gueule en regardant un cliché, vous vous direz que vous auriez bien aimé, tout compte fait, que le sujet d’arrière-plan soit aussi net que celui du premier plan, vous réaliserez que le mode priorité ouverture à f2 n’était, finalement, pas une si bonne idée. Vous essayerez de tout débrayer, de passer en roue libre. Libre. Le mot est lâché. Le mode M c’est exactement ça, un sentiment de liberté. Et quand vous y aurez goûté, à cette liberté, je veux bien parier que vous ne pourrez plus jamais vous en passer.

• photo : Mathieu Chédid aka -M- au concert des bénévoles des Vieilles Charrues en novembre 2010. Nikon D3s, 1600iso, f2,8 1/125e, 200mm, mode manuel. Crédit photo : Hervé « harvey » LE GALL photographe.

• cet article est dédié à une jeune photographe qui depuis est devenue une grande. Et à son père, qui lui a tant appris.

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Je hais les photographes, surtout les bons. Chapitre 3. Mathieu Ezan photographe de live, de mariage et de gens heureux.

5 mars 2013 By

mathieu-ezan-photographe-shots-2013J’ai découvert le travail de Mathieu Ezan un peu par hasard, à dire vrai, alors que je cherchais à constituer une équipe de photographes de live (celle qui fut baptisée team109) pour mon cher festival des Vieilles Charrues l’an passé. J’ai déjà beaucoup de mal à supporter les photographes, d’une manière générale, alors pensez-donc ! En recruter plusieurs sur la thématique qui est la mienne au quotidien, je me disais que ça n’allait pas être de la tarte. D’autant que j’en ai vu passer, des images, des tonnes d’images de live qui ne me parlaient pas, qui ne me racontaient rien, aucune histoire, la platitude incarnée, l’électroencéphalogramme plat et surtout, surtout, des images totalement dénuées de musicalité. Eh ouais, c’est ça le truc quand tu photographies du live, il faut entendre la musique, il faut la sentir transpirer, qu’elle suinte, qu’elle te pète à la gueule comme un gros riff de Gibson SG mothefucker ! Mais je m’égare. Donc j’en étais là, à voir défiler des images pauvres et bancales, prêt à renoncer, à tout plaquer et à filer tout droit, direction Kaboul ou le Larzac pour y élever des chèvres, quand tout à coup un de mes indics lâcha un nom : « Ezan. Tu connais ? Mathieu Ezan. C’est un photographe de la nouvelle génération mais je crois qu’il va te plaire ! »
iggy-pop-par-mathieu-ezan-shots-2013
Nouvelle génération ? Décidément j’étais gâté. Je m’attendais au pire, j’imaginais le petit gars arrogant, perclus d’ego pour avoir chié un ou deux clichés potables, victime du syndrome plume dans l’cul qui touche bon nombre de photographes. Je suis donc allé voir les clichés de Mathieu Ezan sur son site internet. Vous dire que j’ai su tout de suite serait mentir, non au contraire, j’étais plus bougon que jamais, j’ai regardé les images passer sur l’écran, une voix intérieure me murmurant « Ah ! Faut avouer que c’est pas mal quand même, on dirait qu’il en a sous le pied le p’tit gars, hein ? » ce à quoi je lui répondais « Ta gueule ! » car je déteste être dérangé quand je travaille, voix intérieure ou pas. Il y avait des clichés de métal, des ambiances un peu hardcore, autant dire un genre beaucoup plus difficile qu’il n’y paraît. Dans les concerts de métal, sur des gros festivals comme le Hellfest par exemple, les plans de feux sont souvent aussi éclectiques que monstrueux et il faut faire avec. Ce qui m’a épaté, c’est la technique de prise de vue, reflex et grand-angle qui condamne le photographe à aller au charbon, comprendre devant la scène. Choisir de shooter Iggy (Pop) en bord de scène par exemple, ça peut te permettre de ramener de la bonne image mais la contrepartie c’est que tu peux aussi te prendre un coup de tatane collection US Rangers bout métal dans la gueule et là, sayonara ! Mathieu Ezan, c’est son truc d’aller au charbon, son EOS 5D Mark III et son EF 16-35 f2,8L II (putain de caillou) en mains, mais attention, pas pour shooter bras tendu comme un benêt (d’ailleurs chacun sait que ça ne fonctionne pas comme ça) non, lui son truc c’est de patienter, d’attendre le moment. Plus tard il me confiera : « Je suis capable d’attendre LE moment pendant tout un concert. Je préfère ramener deux ou trois bonnes images que de mitrailler à tout va… » Bref. J’ai regardé ses images et pas que de concerts. Et là j’ai décroché mon téléphone.
merge-par-mathieu-ezan-sur-shots-2013
La voix, c’est comme la bonne image, ça ne ment pas. Ce qui frappe, tout de suite avec Mathieu Ezan, c’est sa simplicité, son calme, son humilité, comme une paix apparente que rien ne semble pouvoir perturber. Mais dès qu’on parle d’images, dès qu’on prononce le mot magique « photographie » alors là on sent la passion qui s’exacerbe, cette envie pressante d’aller en découdre. Mathieu ne m’a pas fait le coup du « la photo, tu vois coco, je suis tombé dedans quand j’étais tout petit, c’est ma vie quoi ! » Non. Son approche a été plus raisonnée, presque un coup du hasard. D’abord étudiant en arts graphiques, virtuose photoshopesque, il est presque venu à la photo comme ça, histoire d’avoir de la matière à travailler. Et puis l’image, le cadrage, le regard, la révélation. « La photo ? C’est venu tout seul, je ne m’en suis même pas aperçu ! » Eh ouais, en général c’est même à ça qu’on reconnaît les photographes, les bons je veux dire. Les images de live ramenées par Mathieu ne se contentent pas d’être belles, il y a un regard plein d’ironie et d’amusement qui transpire. J’ai proposé à Mathieu de venir aux Charrues, de rejoindre la team109 et il a dit oui tout de suite. La suite de l’histoire, on la connait. Il nous a ramené des images king size, mes deux favorites étant celles de Triggerfinger et Dope D.O.D. entre autres, le tout avec une désinvolture sans nom et ceux qui ont eu le privilège de le voir dérsuher en direct live pendant les Charrues ne me contrediront pas. Le tout sans jamais que son sourire et son enthousiasme ne quittent son visage, pendant quatre jours, ce qui ne gâche rien.

photo-de-mariage-par-mathieu-ezan-sur-shots-2013Ouais. Je hais les photographes, surtout les bons. Mathieu Ezan a largement sa place dans mon top ten et pas que pour ses images capturées en live. Il est aussi un excellent portraitiste et collabore avec de nombreux groupes. Il y a quelques images que j’aurais aimé faire comme le portrait de The Kills, celui de Jospeh Arthur, merveilleux black and white, John Five dans son canapé bleu. Et là on se surprend à imaginer des sessions longues comme le bras et non. The Kills c’est tapé sur un parking après un concert, vite fait à la lueur d’un lampadaire. Idem pour Jospeh Arthur ou John Five, du one shot. Le reste c’est une question d’œil, de regard, de captation de l’instant. Oui, de talent aussi. Parfois Mathieu prend son temps, met en scène et là encore le résultat est dans la boîte. On regarde la photo de Merge immobile, entouré d’une foule qui ondule et on reste subjugué. On chercherait bien à savoir comment il s’y est pris pour obtenir un cliché de ce calibre mais finalement on se dit qu’on se fout du flacon tant qu’on a l’ivresse. Je regarde ce cliché et je prends l’insolence du talent de Mathieu Ezan en pleine gueule. J’ai poussé la curiosité encore plus loin et j’ai regardé ses photos de mariage. Oui, parce que Mathieu fait aussi des photos de mariage. Étrange pour un photographe de rock, non ? « Au début, quand j’ai commencé la photo de mariage, je montrais mes photos de live aux futurs mariés ! » me disait Mathieu. Plutôt étonnant, non ? « En fait, c’était d’abord une façon de leur montrer que je savais gérer les conditions de lumières difficiles… » avoue-t-il en souriant. C’est dingue, on retrouve la même dynamique dans certains clichés de mariage que dans tes clichés de live ! « Oui. Le truc qui me dérange le plus, c’est quand je vois dans le regard des mariés qu’ils sentent la présence du photographe… » Il y a la même impertinence, la même fougue, la même passion, dans les clichés de mariage signés Ezan. Le regard empli d’amour du futur marié à sa future moitié, la bande de potes aux chaussettes roses, les prises de vue close-up à très grand-angle, des images aux nuances parfois vintage et toujours cet indubitable talent pour capter l’instant. Et puis, évidemment, un post-traitement soigné mais ça, ça coule de source et ça en devient presque accessoire.

Aux âmes bien nées, la valeur n’attend pas le nombre des années. Mathieu Ezan illustre parfaitement l’adage. J’ai plein de beaux souvenirs avec ce photographe dans ma besace, des sourires, oui beaucoup de sourires, une petite fierté aussi quand je vois ce que Mathieu nous a ramené des Vieilles Charrues cuvée 2012. Je garde l’image d’un photographe heureux, sur la scène Kerouac, pendant le concert de Bloc Party, son EOS à la main, le regard scrutant la scène à la recherche de cet instant précieux. Je repense à ma grand-mère qui me répétait souvent que les gens heureux n’ont pas d’histoire. Elle se trompait. Les gens heureux ont une histoire, ils ont même des histoires. Sur scène, à la sortie d’un concert sous un lampadaire, dans une petite église, sur un canapé bleu, à la gare Saint Lazare ou sur la plaine de Kerampuilh. Et en dénominateur commun, ce photographe discret et élégant auquel aucun moment heureux n’échappe.

• clichés : Dope D.O.D, Iggy Pop, Merge, photo de mariage, crédit photos Mathieu EZAN

• voir le site de Mathieu Ezan

• voir la page Facebook de Mathieu Ezan et le suivre sur Twitter

• voir les réponses de Mathieu Ezan au questionnaire de Shots

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De Lenôtre à Cartier-Bresson. L’étrange rencontre de la pâtisserie et de la photographie.

13 février 2013 By

macarons-valentine-par-herve-le-gall-shots-2013Tout commence avec une histoire de macarons. Pas facile à faire, les macarons, j’en connais plus d’une qui s’y est cassé les dents, à commencer par ma femme. Je ne lui jette pas la pierre puisqu’elle réussit quasiment tout le reste, mais les macarons, elle a laissé tomber, pas le temps et radicalement trop emmerdant. Donc, autant par amusement que par défi, et aussi parce que j’adore les macarons, je me suis mis en tête de les faire moi-même, ces foutus macarons. Pour voir. Première tentative, j’ai fait des petits macarons avec un petit téton, c’était très sexy mais pas vraiment vendeur. Et puis à force de patience, d’application, finalement j’y suis arrivé. Un jour que je cuisais mes macarons, j’ai réalisé que leur temps de cuisson, douze à treize minutes, c’était à peu de choses près le temps de développement d’une pellicule Kodak TriX 400 poussée à 1600iso. C’était amusant, cette analogie, entre pâtisserie et photographie et à y regarder de plus près, j’ai réalisé que c’était loin d’être la seule…

D’abord, basiquement, la pâtisserie et la photographie c’est de la chimie. C’est de part et d’autre un savant dosage de réglages, de conditions de réalisation, d’ambiance. Ici un blanc d’œufs liquéfié à 28° donnera de bons résultats, là un révélateur à 24° s’avère indispensable. La pâtisserie, comme la photographie nécessitent avant toute chose un travail de préparation. On pèse, on évalue au gramme près. Quelques grammes en trop peuvent s’avérer aussi dramatiquement irrémédiables qu’un mauvais couple diaphragme vitesse. En pâtisserie comme en photographie les erreurs se payent cash. Tu chies ton cadrage, tes réglages, tu crames ou tu es sous-ex mais dans tous les cas ta photo sera imbouffable. Non seulement il y a les recettes, les ingrédients à respecter mais il y a aussi (et surtout) le modus operandi, c’est là que le bon matos intervient. Ici les rolls se nomment Kitchen Aid, Riviera et Bar, Lékué, Magimix, Mastrad, … Comme en face on bosse avec du Nikon, du Canon, Blad et autres Leica. Important le matos, certes, mais rien ne remplace le tour de main! L’intégration de la meringue italienne dans la pâte d’amandes c’est au moins aussi flippant que la première fois où tu enfiles ton film dans le noir absolu dans ta spirale Jobo. La pâtisserie comme la photo, c’est des gros moments d’angoisse qui ne se tassent qu’avec le temps et l’expérience.

Et puis vient le moment de la cuisson des macarons. En quelques minutes (généralement quatre à cinq guère plus) tu vas voir, ou pas. Comme une image qui se révèle à tes yeux éblouis dans le bac de révélateur (ou sur l’écran de ton ordinateur), tu vois apparaître cette petite collerette qui fait la personnalité de ce petit prince des biscuits et sans qui le macaron n’est qu’un vulgaire palet aux amandes. Elle apparaît, elle pousse le macaron vers les sommets et ça, franchement, à part la révélation d’un cliché d’exception je ne connais rien de plus excitant, sauf peut-être le regard empli de gourmandise de ma valentine à la perspective d’un thé, accompagné de ces délicieuses merveilles. Un macaron lisse qui ne révèlera son plein arôme qu’au bout de quelques jours. Du temps, une infinie patience, une technique maîtrisée, beaucoup de passion et une petite graine de folie, je persiste et signe. La pâtisserie et la photographie se ressemblent comme deux sœurs. Et puis, lorsque les macarons sont terminés, qu’ils sont beaux et qu’ils donnent envie, il est temps pour moi de m’attaquer à un autre excercice tout aussi casse-gueule : les photographier. Dans ces moments de plénitude, dans la cuisine, mon Nikon D4 en mains, lorsque j’ai troqué mon tablier Minipop contre l’index sur le déclencheur, il me semble parfois percevoir les silhouettes de Gaston Lenôtre et de Henri Cartier-Bresson, où un pâtissier et un photographe de légende se retrouvent réunis par la grâce d’un petit biscuit au cœur tendre.

• bientôt ma recette de Macarons Valentine sur le blog Dans la Cuisine

• merci à Minipop qui me fournit mes jolis tabliers de cuisine !

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La photographie argentique serait-elle le chaînon manquant de la photographie numérique ?

22 janvier 2013 By

cedolin-roy-festival-desordre-shots-2013
Il m’est arrivé un truc étrange. Figurez-vous que ce week-end je couvrais un nouveau festival à Brest, un de ces petits festivals comme je les aime, concoctés par des passionnés, la fine équipe des allumés de Penn ar Jazz. Au programme du festival bien nommé Désordre, des concerts ressemblant autant à des happenings mêlant musiques improvisées et chorégraphie, le tout dans un Mac Orlan entièrement repensé, reconstruit, habillé de verre et d’acier, beau comme un sou neuf de l’autre côté du pont de Recouvrance, rive droite, autant dire au bout du monde mais à une encablure de tramway. Ainsi donc je me retrouvais dans cette salle au confort cosy, dotée d’un bien joli plan de feux et d’une acoustique king size. Je l’ignorais mais j’allais vivre pendant deux jours des émotions musicales et visuelles incroyables mâtinées de complications techniques gratinées.

Premier concert qui donne le la, si j’ose dire. Une contrebasse qui joue en sourdine, tandis que dans le fond un musicien s’escrime à tirer des souffles de ses boîtes à rythme. Un danseur évolue, tout en circonvolutions. Voilà pour le tableau. Du côté de l’image, il y aurait mille clichés à réaliser, tant dans la beauté des gestes, la grâce de la chorégraphie et bien sûr les musiciens, la merveilleuse alchimie de l’image servie par des lumières élégantes, seulement voilà. Oui, mais… Faire des clichés dans un silence quasi monacal, c’est pas une sinécure. Au mieux, vous devenez la cible de tous les regards de spectateurs prêts à vous clouer au pilori au moindre soupçon de déclic, au pire vous importunez les artistes et ça, c’est le scénario catastrophe. Je me souviens du régisseur d’une artiste (dont je tairai le nom) qui m’avait prévenu : « si elle entend le bruit de votre déclencheur, si elle repère votre présence et s’en agace, croyez-moi, je préférerai être dans mes pompes que dans les vôtres. » Vous, fidèles lecteurs de Shots, savez ce que je pense du respect du public et des artistes, sinon vous pouvez toujours relire les dix commandements. Bref, c’était l’angoisse. Inutile de préciser que j’avais activé le mode Q de mon Nikon D4, mais même en mode silencieux, c’était encore trop bruyant. Comme me le disait un ami photographe à l’issue du concert, même avec un Leica c’était pas jouable. Les puristes apprécieront…

Est-ce que ça m’a empêché de faire des clichés et d’être heureux ? Bien sûr que non, bien au contraire. J’ai fait très peu de clichés et quand je dis très peu, c’est vraiment rien de le dire. Par exemple, sur le set de Giovanni Cedolin (danseur) et Guillaume Roy (violon), j’ai réalisé sept clichés. Sept. À dire vrai, j’ai eu l’impression d’être revenu quelques années en arrière et d’avoir travaillé en argentique, avec ce tempo, cette respiration retrouvée et je n’hésite pas à dire que ces contraintes, finalement, m’ont bien servi. Je dois même à la vérité de dire que je n’avais pas produit un travail de cette qualité depuis très longtemps. Des cadrages au cordeau, des mesures d’expo parfaites, des compositions ravissantes et un taux de déchet quasi nul. Le parallèle avec la photo argentique sonne presque comme une évidence. Déclencher comme si sa vie en dépendait, attendre que le son s’amplifie, jauger que son niveau sera suffisant pour masquer le bruit du miroir qui remonte et s’immobilise, maintenir le déclencheur de Nikon D4 et attendre le moment opportun pour laisser le miroir s’abaisser, glisser doucement dans ce bruit mat et caractéristique, comme une libération, puis observer que personne ne m’a repéré. D’ailleurs, comme une récompense, un musicien présent dans la salle a confirmé mon action discrète dans un sourire « Ah ? Hervé ? Tu étais là ? Tu as fait des clichés ? Je ne t’ai pas entendu ! » C’était étrange, comme expérience, un peu angoissante mais très enrichissante. Il reste les clichés, des traces de ces moments d’exigence. Je suis convaincu des bienfaits de la photographie argentique et je conseillerais volontiers à tous les photographes de faire une pause argentique, eux aussi, de temps à autre. Le temps d’une promenade, d’un week-end, le temps de construire une image comme de se reconstruire soi-même, de retrouver ce tempo comme de se retrouver, cette respiration intérieure dont j’évoque désormais si souvent l’omniprésence chaque fois que j’embarque avec moi mon F1, mon vieil ami de trente-cinq ans pour aller cramer une pellicule. J’ai souvent écrit que l’argentique me semblait un retour nécessaire aux fondamentaux de la photographie, je pense qu’au delà de l’aspect technique, ce mode photographique, désormais vintage, permet aussi au photographe d’être prêt à assumer plus sereinement des situations complexes. Comme une thérapie, en quelque sorte. Apprendre à rester zen, en se disant que, quoiqu’il arrive, de toutes façons, il reste encore trente six poses à venir. La photographie argentique a encore, indubitablement, de beaux jours devant elle, comme un complément, un chaînon manquant au processus photographique numérique.

• photo : Giovanni CEDOLIN (danse) & Guillaume ROY (violon). Festival Désordre, Mac Orlan Brest, crédit photo : Hervé LE GALL

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Canon EF est de retour à la maison. Entre Rimbaud et la madeleine de Proust, la magie de la photographie argentique.

10 janvier 2013 By

canon-EF-photo-argentique-shots-2013J’avais dix-sept ans, cet âge dont Rimbaud disait qu’il ne pouvait pas être sérieux et il avait raison Arthur, on n’est pas sérieux quand on a dix sept ans. N’empêche. S’il y a bien une chose avec laquelle je ne plaisantais pas c’était la photographie, surtout depuis que ma mère avait fait encadrer un joli soleil couchant tiré en Ektachrome qui trônait dans le hall du salon. À l’époque, équipé d’un modeste reflex tout droit venu de Sibérie orientale de l’ex Union Soviétique, grand pourvoyeur d’appareils photos à deux balles, entre faux Leica et véritables Zenit, j’arpentais mon petit monde en tout sens, maugréant quand même sur les limitations drastiques de mon boîtier de camarade boljemoï. Je ne le savais pas encore mais ce Noël-là allait m’apporter le plus beau des cadeaux, un de ces trucs qui peuvent radicalement changer une vie. Avec Canon EF j’allais passer de l’ère jurassique au top de la modernité et surtout ma route croisait, pour la première fois, celle de Canon avec qui j’allais tisser pendant de nombreuses années un lien quasi indestructible.

Rendez-vous compte. Avec Canon EF, la marque rouge innovait de manière radicale en proposant un reflex semi-pro, on le qualifierait aujourd’hui de boîtier à destination d’une clientèle d’amateurs « éclairés », premier reflex équipé d’une cellule au silicium et d’un rideau métallique. Pour moi qui avait, jusque-là, bossé avec la cellule du Zenit en frontal juste sous le viseur, le simple fait d’avoir une cellule analysant la lumière trough the lens (TTL) c’était déjà Byzance, alors si en plus ladite cellule au sillicium pouvait apporter une justesse remarquable dans la qualité de sa mesure, c’était double bonus. En fait non seulement ce Canon EF bénéficiait de la qualité de construction de la série F, avec notamment le mythique Canon F1 (la rolls des reflex, à l’époque), mais il embarquait aussi de l’électronique permettant toute une série d’automatismes. Il suffisait de choisir une vitesse d’obturation et le reflex se chargeait de déterminer et de choisir l’ouverture du diaphragme appropriée, garantissant ainsi à son heureux possesseur une exposition toujours parfaite. Mine de rien, Canon EF proposait de libérer l’utilisateur d’une partie des contraintes techniques en lui proposant de se concentrer sur la qualité de la composition des images. Révolutionnaire ce Canon EF, pour l’époque, j’allais vivre en sa compagnie des moments photographiques inoubliables et malheureusement ça n’allait pas durer. Un jour d’été, lors d’un voyage au delà du Bosphore, le véhicule dans lequel j’avais commis l’imprudence de laisser ma malette photo, fut visité et les voleurs ne me laissèrent rien. Ce jour-là, j’ai tout perdu, mon matériel, mes illusions et sans doute aussi une part de mon innocence. J’ai tout perdu sauf l’œilleton du viseur que je gardais toujours dans ma poche, par peur de le perdre. Cet été-là, je n’ai pas fait de photo et les mois qui ont suivi non plus. J’avais le sentiment d’avoir trouvé le boîtier avec lequel j’étais en phase et que je ne retrouverais jamais cet état de grâce. Je me trompais. L’année suivante ma mère m’offrait un F1, la quintessence même du reflex 24-36.

Il y a des choses qu’on n’oublie pas et pour moi, Canon EF est toujours resté dans ma mémoire parmi les beaux souvenirs, comme un amour de jeunesse qu’on ne peut pas effacer de sa mémoire. De (très) nombreux matériels sont passés entre mes mains et mon œil a côtoyé bien des viseurs mais je n’ai jamais oublié cette sensation, ce touché et le bruit infernal de son déclencheur qui semblait vouloir rappeler au monde entier qu’il était là. Et puis, en décembre dernier, il a surgi du passé, à la faveur d’une annonce sur un site de ventes aux enchères et il n’était pas tout seul, le bougre. Il venait accompagné d’un 50mm standard f1,8 et surtout d’un joli Canon FD new 24mm f2,8. Comme un bonus, ce Canon EF était livré avec sa sangle, une housse Canon d’origine, la doc, la pub Canon d’époque et un Flash ring Canon connectable au flash Canon Speedlite et permettant de photographier au flash en mode automatique, sans avoir à se tartiner le calcul de l’ouverture en divisant le nombre guide par la distance,comme chacun le sait. Bref, dès que je l’ai vu, j’ai su que ça, c’était un clin d’œil, un signe du destin et je n’ai pas hésité une seconde. J’ai posé une enchère. Quatre jours plus tard, il était à moi. Je l’ai reçu hier matin. Séquence émotion.

Canon EF, c’est ma madeleine de Proust, c’est ma DeLorean, un voyage dans le temps, c’est surtout comme si on ne s’était jamais séparé. J’ai testé les piles, la cellule. J’ai monté le 24mm, comme neuf. J’aurais pu prendre une TriX dans le bas du frigo et partir faire des images sans avoir à regarder la doc, tellement ce boîtier est ancré dans ma mémoire, tellement il fait partie de mon histoire. Canon EF a rejoint ma collection de reflex argentiques Canon, entre le Canon F1 et le Canon New F1. Dans un tiroir, j’ai retrouvé l’œilleton que j’ai monté sur mon EF, la boucle était bouclée. Au printemps j’irai cramer quelques TriX en souvenir des années de gloire de Canon EF qui n’attend, j’en suis sûr, que le plaisir de retourner au charbon. Je conseille souvent aux jeunes photographes d’aller tâter de l’argentique, pour trouver des sensations, appréhender quelques fondamentaux, mettre les mains dans le coaltar, d’autant qu’on trouve des reflex argentiques d’occasion à des prix abordables. Et puisque nous en sommes au chapitre des gwennegs et du combien-ça-coûte, je vais vous dire combien m’a coûté le retour de Canon EF, ce reflex relativement rare parce qu’à l’époque il coûtait cher, accompagné de deux optiques, d’une housse, d’un flash ring et de la doc. J’ai payé l’ensemble quatorze euro, oui, oui, vous avez bien lu, quatorze euro plus douze euro de frais de port car je l’ai fait livrer en collissimo recommandé. Je ne voulais pas le perdre une seconde fois. Je pense que le vendeur souhaitait s’en débarrasser, n’en n’ayant lui-même plus l’utilité. Qu’il soit ici remercié et qu’il sache que ce reflex est entre de bonnes mains. Canon EF est de retour à la maison. Enfin.

• collection Canon, de gauche à droite, au premier plan : Canon FD 28mm f2 SSC, Canon F1n et Canon FD 55mm f1,2 SSC, Canon finder illuminator, Canon EF et Canon FD 24mm f2,8 new, Canon New F1 et Canon FD 85mm f1,2L, Canon FD 17mm f4 SSC.

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Pourquoi s’emmerder à faire encore des photos argentiques ?

19 décembre 2012 By

canon-new-F1-herve-le-gall-shots-2012Non, mais franchement. Rendez-vous compte. On est en 2012 et un groupuscule résiste encore et toujours à l’envahisseur, en persistant à faire de la photo argentique. Oui, des photos avec des pellicules, réalisées avec des vieilleries, des boîtiers vintage, old style, dont la plupart ne fonctionnent qu’en mode manuel, oui vous avez bien lu, en mode manuel, sans aucune fonction électronique embarquée. Adieu veau, vache, autofocus et modes d’exposition. Eux, c’est vieux Rolleiflex vintage et produits chimiques qui puent, les mains dans la gadoue et cette petite lueur inquiétante dans le regard. Non, faire de la photo argentique de nos jours, avouez-le il faut être un peu barré, non ? Alors si vous aussi, vous avez décidé de vous y mettre, voici quelques bonnes raisons de renoncer et de ne pas y aller…

D’abord, la photo argentique, ça coûte cher. Ici, on ne parle plus de loger une carte numérique sur laquelle on pourra stocker à loisirs des milliers de photos qu’on stockera ensuite sur un ordinateur pour les oublier au fil du temps, carte que l’on pourra effacer à volonté, que nenni. Ici, on va chez le marchand, on achète une pellicule photo-sensible stockée dans une bobine qu’on loge dans un appareil photo souvent fabriqué au siècle dernier. En plus de présenter l’inconvénient majeur de ne pouvoir réaliser qu’un nombre maximum de vues (en général trente-six vues pas plus, oui vous avez bien lu, trente six), il n’est souvent pas aisé de loger ladite pellicule dans le boîtier. Et attention, ça ne rigole pas, si vous ouvrez la trappe du boîtier par mégarde ou que la pellicule prend la lumière, c’est sayonara, foutu de chez foutu, pellicule voilée c’est mort. Une fois la prise de vue terminée, il faut enrouler la pellicule dans son boîtier en n’oubliant pas de débrayer et l’envoyer à développer. Vous avez payé pour acheter la pellicule, vous allez devoir payer pour la faire développer et accessoirement vous allez aussi devoir attendre. Non seulement vous ne verrez pas le résultat à chaque prise de vue, mais en plus une fois la pellicule terminée il vous faudra patienter le temps du développement. Non mais c’est clair, on marche sur la tête hein ?

Pour le développement de la pellicule, deux options. Soit c’est un laboratoire qui développe pour vous, soit vous pratiquez le D.I.Y. (do it yourself) et vous le faites vous-même. Première option, trouver un bon labo. Seconde option le faire vous-même. Bon, dans les deux cas, ça va vous coûter des sous. D’abord pour acheter le matériel : cuve de développement, les produits de développements qui puent et qui polluent. C’est vrai. Qui polluent surtout. Le révélateur, celui qui dévoile les cristaux d’argent, c’est pas vraiment l’ami de nos rivières et c’est sacrément polluant. Et ça pue aussi, même si c’est un argument très accessoire. En plus, l’opération de mise en cuve du film c’est pas franchement une sinécure. Apprendre à enrouler un film sur une spire, dans l’obscurité totale, c’est un coup de main à prendre. À vous la joie de la pellicule coincée dans la spire et qui n’avance plus et que vous n’y voyez que goutte, d’ailleurs pour mémoire si vous y voyez goutte c’est que le film est foutu (ah ah). Je vous avais prévenu, le film c’est un truc de malade ! Bon, vous avez finalement tant bien que mal réussi à enfiler cette satanée pellicule sur la spire (tiens, au passage veillez à ce que la spire soit bien sèche), vous avez refermé la boîte (bien refermé hein ? Sinon, un zeste de lumière et hop ! Same player shoot again !) vous êtes encore loin du compte, le résultat est loin d’être garanti. Ici, en argentique, pas de droit à l’erreur. Si tu chies ton expo à la prise de vue, aucun espoir de rattraper le coup dans Lightroom. La photo argentique, sans maîtriser un brin les bases de la photo (les vieux trucs de base en vrac comme la lumière, le diaph, la vitesse, la profondeur de champ, la sensibilité du film, …), le verdict est sans appel. Le plus amusant c’est d’avoir parfaitement maîtrisé sa prise de vue et de chier son développement. Ah ! L’angoisse de la cuve qu’on ouvre, en fin de traitement et de s’apercevoir que le film est tout… Transparent. Non, franchement, l’argentique, c’est pas bon pour votre santé mentale.

Et je ne vous parle même pas du matériel. Des vieilleries sans âge qui peuvent vous lâcher du jour au lendemain. Seul argument, c’est que ça ne coûte rien. Enfin rien, faut voir. Un vieux boîtier Nikon ou Canon, voire un Rolleiflex d’entrée de gamme ou un Contax, passe encore. Idem pour les optiques. En revanche, ne cherchez pas un Leica M, ça coûte un bras. L’avantage c’est que Leica étant un objet de collection, on trouve beaucoup de boîtiers qui n’ont guère vu plus de dix pellicules de toute leur vie. En revanche, rien de mieux que de se balader avec un Leica M6 black autour du cou, voire un bon vieux Hasselblad sur l’épaule. Pour le Leica optez pour le look gentleman farmer, pour le Blad tablez plutôt sur la dégaine vieux baroudeur aventurier. Même sans pellicule dedans, effet garanti. En revanche, prévoyez le budget et tablez plutôt sur quelques milliers d’euro.

Non, franchement, pourquoi s’emmerder à faire encore des photos en argentique ? Ici, pas question de se dire qu’on va taper cinq cents photos pour espérer en avoir quatre ou cinq d’exploitables qu’on pourra bidouiller pendant des heures dans Lightroom pour qu’elles aient enfin une gueule potable. Ici pas question de commencer à faire des photos à 100iso et passer plus tard à 3200. Ici pas question de regarder l’écran LCD à chaque prise de vue, pas de bouton effacer, pas de pixel, pas de triche envisageable. Ici chaque pression sur le déclencheur doit être réfléchie, parce qu’elle coûte. Ici, en argentique, tout est différent, tout, jusque la respiration même qui est différente. Est-ce qu’on prend une photo en argentique comme on la prend en numérique, de la même façon ? Je ne crois pas. Est-ce que le rendu est différent ? Sans aucun doute. Finalement, s’emmerder à faire des photos en argentique, en 2012, ça n’a pas de sens. Mais tous les gens qui la pratiquent (et ils sont de plus en plus nombreux à y revenir) ont tous une même motivation. Trouver ou retrouver les gestes, le tempo, la respiration, les sensations incomparables de ce qu’on désigne sous le terme de huitième art.

• vous insistez ? Une visite s’impose à ce site dédié au noir et blanc argentique, le site Labo argentique

• vous persistez et signez ? Allez jeter un œil à un site de passionnés d’argentique, le site dans ta cuve

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Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur la photographie numérique et que vous avez osé me demander.

5 décembre 2012 By

nikon-gamme-nikkor-shots-2012
Je reçois pas mal d’emails, c’est mon courrier des lecteurs, c’est pas le courrier du cœur des lecteurs (trices) de Shots, non plutôt des interrogations sur le matériel. La photo, c’est devenu un truc vachement compliqué, surtout la photo numérique. Comme disait un vieil ami brestois, c’était mieux avant. Il a raison. Autrefois (je vous parle d’un temps, etc…), on s’achetait un bon boîtier, bien solide, tenez au hasard par exemple chez Canon un modèle F1 dont il était si solide qu’on disait que les photographes de guerre pouvaient aussi l’utiliser pour planter les sardines de leur abri de fortune en pleine jungle. Dès lors qu’on avait en mains ce reflex historique de la marque rouge, avec son rideau inusable en titane garanti à l’aise Thérèse un million de déclenchements voire plus si affinités, on n’avait plus qu’à investir dans des optiques qui coûtaient un bras mais quasiment garanties à vie et ce n’est pas mon 55mm f1,2 SSC acheté en 1979 qui me contredira. Alors qu’aujourd’hui, le turnover des optiques est nettement plus soutenu et je ne parle même pas de la valse des boîtiers. Bref. Ainsi allait la vie lorsque je reçus un email, un long email dont j’imagine que son auteur l’avait bien pensé. Ce message résume à lui seul de nombreux emails reçus au fil du temps sur Shots et je m’en vais vous le citer, in extenso.

Je me posais la question suivante. Les boîtiers Pro type Nikon D4 ou Canon 1Dx pour ne citer qu’eux, ne dépassent pas (encore) les 18Mpix. Je ne pense pas que ça soit un hasard.

Un ami photographe (amateur) me disait qu’il shootait à 10Mpix volontairement et que cela lui suffisait empilement. Je me demandais à juste titre, si dans quelques mois ou quelques semaines, le Nikon D700 venait à frôler la barre des 1000 euros, ne serait-il pas un choix judicieux et ceci son viseur à 95% et ses 12Mpix l’Expeed première génération ? Cela permettrait de lui allouer de beaux cailloux de qualité et permettre ainsi de réaliser de belles photos malgré tout, sachant que je pratique en grande partie que du paysage et du portrait ?

Ceci-dit, le Nikon D4 m’attire terriblement sur plusieurs points (beauté de l’objet, qualité Pro, capteur 16Mpix, Expeed 3, grand écran, boitier Pro avec poignée intégrée…). Malheureusement le prix de la bête est là et je crois qu’il restera du domaine du rêve.

J’aimerais connaître votre point de vue quand à cette réflexion sur un achat du Nikon D700 dans le cas où il descendrait (il serait temps).

P.S. : je pense d’ailleurs, que si il reste à un tel prix, c’est qu’il est loin d’être considéré comme obsolète par Nikon et par ceux qui l’utilisent. Par ailleurs, j’ai trouvé un Nikon D4 à 3200 euros avec 3000 déclenchements. Facture et sous garantie avec retrait en main propre en France. Pensez-vous que cela puisse être une bonne affaire et si oui, dans l’optique de garder ce dernier longtemps, je serait en possession d’un boîtier performant pour un usage d’amateur passionné ? Je précise que le poids et le gabarit de la bête ne sont pas pour moi un frein.

J’ai été orienté vers le D600 ou le D800 voir D800E mais le D600 je ne suis pas fan du tout et le D800 ou D800E je trouve que tous ces pixels avec les conséquences (poids des fichiers) me font un peu peur.

Dans l’attente de lire vos réponses à mes nombreuses interrogations.
Cordialement.

Ah mon cher Nicolas*, si je devais gagner dix euro chaque fois que j’ai reçu un email comme le vôtre, posant les mêmes questions, soulevant les mêmes angoisses, je pense que j’aurais pu m’offrir des vacances au soleil. Contrairement à votre postulat de départ, vous ne vous posez pas une question mais des questions et même une foule de questions qui, finalement, sont les questions que bon nombre d’amateurs de la boîte magique se posent. Je vais donc vous répondre, point par point. Est-ce que la taille en mégapixels ça compte ? Est-ce qu’il vaut mieux investir dans un reflex de qualité ou dans des optiques de qualité ? Est-ce que je ferai de meilleures photos avec un boîtier pro ? Est-ce que les boîtiers qui ne sont plus commercialisés sont obsolètes ? Quelle est la durée de vie d’un reflex numérique aujourd’hui ?

(*le prénom a été modifié)

• De la durée de vie d’un reflex numérique
Si vous le voulez bien, commençons par votre dernière question, sur la durée de vie d’un reflex numérique. D’abord, sachez que l’existence d’un reflex numérique mis sur le marché cette année a commencé à être évoquée il y a quatre à cinq ans. Mettre au point un reflex comme Nikon D800, par exemple, définir sa liste de specs, de la taille de son capteur à ses capacités dans tel ou tel domaine, est une véritable gageure, un défi. On peut imaginer le challenge, pour les ingénieurs de Nikon corp. de plancher dès 2008 sur un reflex qui sera révélé au public en janvier 2012. Nous les utilisateurs, qui sommes en bout de chaîne, nous ne faisons que constater, nous assistons à la naissance. Prenez le boîtier de Canon, l’EOS 5D Mark II, annoncé fin 2008, avec des fonctionnalités de vidéo embarquée. Cette innovation qui, avouons-le, se préparait à transformer radicalement le paysage et à bousculer les habitudes du petit monde de la photo, cette nouveauté, que dis-je ? Ce coup de génie ne s’est pas fait en un jour. Le cycle de vie d’un reflex numérique haut de gamme est d’environ trois ans, sans que cette règle soit catégorique ou définitive. Par exemple il s’est passé peu de temps entre l’annonce de Nikon D3s (octobre 2009) suivi de l’annonce de Nikon D4 (janvier 2012). En revanche, plus on descend en gamme, plus le délai a tendance à singulièrement se raccourcir.

Est-ce à dire pour autant que les boîtiers qui ne sont plus commercialisés sont hors-jeu ? En clair doit-on jeter aux orties EOS 5D Mark II, Nikon D700 parce qu’ils ne sont plus commercialisés, évidemment non et je vais même un peu plus loin. Non seulement ces boîtiers ont encore de beaux jours devant eux mais ils sont de surcroît un excellent choix. Vous avez trouvé un Nikon D700 sous la barre des 1000€ ? Si le boîtier est propre, qu’il ne présente pas de signes extérieurs de fatigue (traces de chocs par exemple), si, encore mieux, il a été utilisé de manière pondérée et respectueuse par un amateur passionné (de ceux qui soignent leur matériel), alors pas l’ombre d’une hésitation. Pour l’avoir testé, Nikon D700 est un excellent boîtier plein format 24*36 et son capteur (12mp) capable de générer une image de 4 256 x 2 832 pixels ne sera jamais un frein. En revanche vous apprécierez la vélocité de son autofocus, son poids plume, sa robustesse de conception qui font la marque de fabrique de la marque jaune. Et avec l’argent ainsi économisé, vous irez à l’essentiel : les optiques.

• Une bonne optique, c’est le début du bonheur.
Oui. Les optiques. Parce que jusqu’à preuve du contraire, c’est d’abord par l’optique que passe la lumière. Une bonne optique, voire une optique d’exception, c’est le début du bonheur. Donc clairement, définitivement, si vous devez choisir à mettre de l’argent dans un boîtier ou dans une optique, choisissez la seconde solution, pour deux raisons. D’abord, parce que l’image se construit d’abord à travers l’optique. Selon l’usage que vous en ferez, le type de photographies que vous souhaitez réaliser, vous vous orienterez vers des optiques à focale fixe ou vers des optiques à focale variable (appelées aussi zooms), mais quelque soit votre choix veillez à ne choisir que le meilleur. Du côté de chez Canon, optez pour la gamme L, l’excellence et aussi, avouons-le, une gamme de référence, tant dans les focales fixes ultra lumineuses (24mm, 35mm, 50mm, 85mm, 135mm, …) que dans les zooms (16-35mm, 24-70mm, 70-200mm, …). Chez Nikon la gamme Nikkor fait aussi des merveilles, notamment en proposant une gamme de zooms ébouriffants dont le trio 14-24mm, 24-70mm et 70-200mm couvre toutes les focales de l’ultra grand angle (14mm) au télé-objectif (200mm) tout en apportant une vélocité et une luminosité sans égal à f2,8 et je ne parle même pas de la gamme gros télé (300mm f2,8 ou le zoom 200-400 f4). Ça c’est fait et le calcul est vite fait. Si votre budget est de 3500€, que vous investissez 1000€ dans un reflex de qualité, d’occasion, il vous reste 2500€ pour une ou plusieurs optiques de grande qualité. Si vous êtes équipés en Canon, que vous cherchez une optique polyvalente, offrez-vous le nouveau 24-70 f2,8 qui est un must somptueux et cher (mais il le vaut bien). Pour 2500€ vous aurez un EF 16-35mm f2,8, un 24-105mm f4 et un 50mm f1,4, de quoi couvrir de nombreux besoins. Si vous êtes plutôt Nikon, que vous voulez voir loin, le 70-200mm f2,8 VRII est une merveille. Si vous êtes paysage, architecture, le 14-24mm f2,8 vaut vraiment le détour et il vous restera assez de monnaie pour investir dans le très polyvalent 24-120 f4 (sur fullframe exclusivement). Rien d’exhaustif dans ces listes. Bref, tant qu’à choisir, mettez vos économies dans des optiques de grande qualité plutôt que dans un boîtier onéreux. Et à tout prendre, pour du Canon achetez des optiques Canon (série L de préférence) et pour du Nikon achetez du Nikkor. Dans les deux cas vous ne serez jamais déçus. Pour avoir testé de nombreuses optiques chez l’un comme chez l’autre je peux en attester. Deuxième point essentiel. La durée de vie d’une optique, sa pérennité sont autrement plus longues qu’un boîtier. En clair, une optique que vous achetez aujourd’hui, vous pouvez la conserver de six à dix ans. Vos optiques passeront de boîtiers en boîtiers sans état d’âme, en conservant à chaque fois leurs précieuses qualités, pendant de nombreuses années…

• La taille de l’engin n’a pas d’importance
Et maintenant, LA grande question qui n’en n’est pas une. Est-ce qu’on fait de meilleures photos avec un boîtier pro ? Est-ce que c’est le boîtier qui fait le photographe ? Je suis sûr que vous savez répondre vous-même à cette question. Un boîtier pro comme le D4 de Nikon, c’est aussi valable pour EOS 1Dx de Canon, est d’abord conçu pour une utilisation intensive et professionnelle. Il est polyvalent, paré pour affronter des conditions climatiques extrêmes, il embarque une batterie autorisant une grande autonomie, une parfaite liberté de mouvement. Cette liberté a un prix élévé, entre autres. D’autres paramètres sont plus indirects mais vécus au quotidien : le poids de l’engin, sa complexité de mise en œuvre, sa taille qui le rendent peu discret (et même dans le cas du D4 ou de 1Dx pas discret du tout). En clair, si vous n’êtes pas un utilisateur professionnel, le meilleur conseil que je puisse vous donner c’est de réserver la majeure partie de votre budget aux optiques. Soyons clair. Compte tenu du prix des boîtiers professionnels (dans une fourchette qui va de 5 à 6000€), le calcul est vite fait. Un bon reflex d’occasion, comme un D700 par exemple, vous permet vraiment d’acquérir une série d’optiques d’exception, un investissement durable par nature.

Alors ? Avoir entre vos mains un boîtier qui date un peu et lui associer des optiques d’exception, c’est une certitude, vous avez fait le bon choix. Bien sûr, vous croiserez sans doute quelque photographe qui aura fait le choix inverse, fier d’exhiber son gros machin sur lequel il aura monté une optique à deux balles. C’est assurément un choix désastreux et nettement moins pérenne. D’ailleurs pour se convaincre de la pertinence d’une bonne optique, le plus simple est encore de l’essayer, c’est une expérience dont on se souvient longtemps. Regarder à travers le prisme, le rendu d’une image qui est passée à travers les lentilles d’une optique d’exception, c’est beaucoup plus qu’un plaisir. C’est un privilège.

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Banc d’essai Shots. Sony XQD 64Go serie S sur Nikon D4. Quand le must des cartes de stockage rencontre l’élite des reflex professionnels.

4 septembre 2012 By

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Ça vous dirait de tester des cartes Sony XQD sur votre Nikon D4 pendant les Charrues ? À l’autre bout du fil c’est Sony France qui me fait cette imparable proposition. Tester une nouvelle technologie sur un truc aussi maousse que les Charrues, est-ce bien raisonnable ? J’ai accepté sans plus d’enthousiasme que ça, mais l’occasion était vraiment trop belle pour ne pas saisir la balle au bond, d’autant que Sony France me proposait de tester ses deux types de cartes, le modèle 32Go en série H et le gros morceau, le must, la carte XQD 64Go en série S, celle qui bouffe de l’image à 168Mo/seconde, oui, vous avez bien lu. Cette carte cloue au pilori toutes les cartes compact flash qui se trainent (si j’ose dire) à 60Mb/seconde pour une Sandisk Extreme voire, dans le meilleur des cas, à 90 ou 100Mb/seconde pour une Extreme Pro. En même temps on imagine que si Nikon a décidé d’embarquer cette technologie signée conjointement avec Sony et Sandisk dans son reflex pro haut de gamme D4, c’est que la marque jaune a de bonnes raisons d’y croire. Plus performante, plus tassée, on imagine que le double lecteur XQD qui équipera la prochaine génération de reflex pros (Nikon D4s puis Nikon D5) permettra un gain de place appréciable. Mais revenons à notre réalité d’aujourd’hui. Le deal, avec Sony France, c’était de tester leur carte in situ dans les conditions du live. Et pour ça, que rêver de mieux que Kerampuilh, le festival des Vieilles Charrues et ses quatre scènes ? Je dois à la vérité de dire qu’au premier jour du festival j’étais pour le moins méfiant. J’avais donc paramétré le spot compact flash du Nikon D4 comme lecteur principal et utilisé la carte XQD 32Go en mode backup, histoire de tester en douceur. Le lendemain, faisant fi de la trouille qui habite naturellement tout photographe lorsqu’il teste une nouvelle technologie, j’ai décidé de faire confiance à Sony France et d’y aller à fond, en logeant la carte XQD 64Go et en la désignant sur le D4 comme carte principale. Je voulais voir et mazette ! J’ai vu.

• Nom de Zeus ! 168 mégabits par seconde ?!
Habituellement je bosse exclusivement en RAW mais sur les Charrues j’ai bossé en RAW + jpeg (fine) pour avoir un fichier directement utilisable, sans être contraint de passer par un processus de post prod, autant dire que dans ce cadre la vélocité présumée de la carte XQD est un avantage majeur. Véloce, le terme est lâché. C’est l’indubitable qualité de cette carte XQD, capable d’absorber un flux à la vitesse astronomique de 168Mb/seconde. Comme me le faisait remarquer un ami du NPS (Nikon Pro Service), on est dans des capacités d’écriture que nombre de nos disques durs n’ont pas ! Et là vous me dites ? Mais à quoi ça sert d’écrire aussi vite ? C’est pourtant simple. Je vous rappelle que Nikon D4 est capable d’engranger jusqu’à plus de 100 images RAW en mode rafale et que dans ce même mode rafale Nikon D4 peut travailler à dix ou onze images par seconde, il est donc possible, virtuellement, avec Nikon D4 de shooter sans discontinuer à 10 images par seconde pendant plus de dix secondes d’affilée, mais… Pour réussir ce prodige, il faut une carte capable d’absorber le lourd flux des fichiers RAW et c’est là que la carte au format XQD fait toute la différence d’avec les technologies existantes. Voilà pour la photographie. Un autre secteur est furieusement gourmand en débit et en espace disque, c’est la vidéo. Nikon D4, qui embarque des fonctionnalités vidéo étendues (enregistrement en full HD) est naturellement directement concerné, en offrant aux vidéastes la possibilité d’enregistrer un flux vidéo de manière fluide.

• XQD. Le must des cartes de stockages
Performance, vélocité, compacité. Sur Nikon D4 la carte XQD de Sony tient toutes ses promesses et va même au delà. J’ai eu un vrai coup de cœur pour cette technologie, surtout pour la carte serie S de 64Go, une pure merveille capable d’engranger plus de 1600 fichiers RAW avec des sessions en rafale de plus de 100 fichiers RAW d’affilée sans broncher, sans saturer. Seul bémol, le prix de la nouveauté. En France, à l’heure où j’écris ces lignes, deux références sont disponibles, une XQD 16Go QDH16 (environ 200€) et une XQD 32Go QDH32 (environ 300€). Ces cartes de série H ont un un débit de 125MB/s. La carte Sony XQD 64Go que j’ai utilisée aux Vieilles Charrues sur mon Nikon D4 devrait être disponible en septembre en France pour un prix avoisinant les 500€. Cette carte XQD série S est actuellement le must en matière de carte de stockage, en affichant un débit pharaonique de 168MB/s. Un must que tous les propriétaires de boîtiers Nikon D4 se doivent absolument d’acquérir sans attendre et sans l’ombre même d’une hésitation, tant cette technologie XQD décuple les capacités et les performances du meilleur reflex pro actuellement disponible sur le marché.

• Test XDQ série S sur Nikon D4 : 126 fichiers RAW sans broncher
Nikon donne, dans sa doc officielle, le chiffre de 105 fichiers RAW maximum en mode rafale sur Nikon D4, j’ai voulu tester et savoir s’il est possible de monter au delà de cette limite. J’ai paramétré mon D4 au format RAW (compression sans perte), échantillonage 12 bits, 11 vues par seconde, sensibilité 100 iso, AF désactivé. J’ai pu shooter pendant une grosse dizaine de secondes et engranger 126 fichiers RAW. La performance de la carte XQD s’avère donc impressionnante à deux niveaux. Pendant la prise de vue, où son débit astronomique enregistre l’image à très haut débit et à l’issue de la prise de vue où sa capacité d’enregistrement des images du buffer à la carte fait aussi toute la différence avec les cartes compact flash « classiques ».

• Nikon D4 face à la concurrence de Canon EOS 1DX
Canon EOS 1DX affiche une prise de vues en rafale à 12 images par seconde (14 vps en mode ultra rapide), mais à y regarder de plus près, la capacité du nouveau boîtier pro de la marque rouge en matière d’enregistrement de fichiers au format RAW n’a aucune commune mesure avec la puissance de feu de Nikon D4. Selon Canon (cf la fiche technique de EOS 1DX en cliquant ici), le nouveau boîtier EOS 1DX dispose, je cite, du « mode de prise de vues ultra-rapide exceptionnel, permettant des rafales continues de 120 images au format JPEG large (36 images RAW). » La performance de 14 vps, c’est bien, mais tenir la distance sur la durée et le nombre de fichiers engrangés, c’est mieux. EOS 1DX, 14 vps, 36 images RAW. Nikon D4, 11 vps, 126 images RAW. Ite missa est (la messe est dite). En équipant son reflex pro du must des cartes de stockage, Nikon fait un pari sur l’avenir. Et on peut imaginer sans peine qu’à 168mbps, ce pari va s’avérer gagnant. Aucun doute possible. L’avenir de la carte de stockage s’écrit en trois lettres. XQD.

• en savoir encore plus sur la technologie XQD sur le site de Sony

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Nikon D4. Pouvoir enfin écrire une image avec un zeste de lumière.

14 mai 2012 By

nikon-D4-test-shots-herve-le-gall-2012Vendredi 11 mai 2012. J’arrive à la Carène de Brest, sur le port de co où je viens photographier le festival Sonore. La responsable communication du festival m’annonce, un brin dépitée, que le concert de Tim Hecker se déroulera dans le noir complet. Sans photo, pas de graphie. Je décide de faire contre mauvaise fortune bon cœur et je me dis qu’on fera avec. Le concert de Hecker est une performance. Sur scène une console vide et pas âme qui vive. Je réalise que les musiciens mixent dans le fond de la salle, à la console son, à l’opposé de la scène. Pour seules et uniques sources lumineuses, celle de l’écran du Mac de Tim Hecker, le rétro éclairage des boutons de la console et une petite loupiote. C’est du service minimum ou je ne m’y connais pas… Dans ces conditions, impossible de faire un cliché, les photographes sont aux fraises ! Je monte la sensibilité du D4 à 102400iso, je désactive l’autofocus. Espérer accrocher un point de contraste dans le noir complet, c’est sayonara. Je fais le focus à l’œil sur le point le plus lumineux du cadre, à f2,8 je réussis à déclencher à 1/40 ou un 1/50ème sans trop y croire. J’ai activé le mode silencieux parce que je suis proche de la console (focale 100mm) et je ne veux pas perturber les musiciens. Je fais une trentaine de clichés sur l’ensemble du set. Et je passe au concert suivant sans vraiment me faire d’illusion.

Il s’avère que le niveau qualitatif des clichés générés à 102Kiso par Nikon D4 est réellement bluffant. Bien sûr il y a du bruit, mais notablement moins que sur D3s. D’ailleurs, finalement, la présence de bruit (qui peut être corrigée en post-traitement) n’est pas vraiment un problème. Non, en réalité, ce qui procure à Nikon D4 un atout indéniable par rapport aux autres reflex de son créneau (mais Nikon D4 a-t-il aujourd’hui vraiment un concurrent sur son segment ?) c’est sa capacité à produire une image exploitable. Comme le faisait remarquer un photographe, Nikon D4 ouvre de nouvelles perspectives, en permettant d’écrire une image avec un zeste de lumière. Si l’on ajoute à cela une réelle polyvalence, une vélocité remarquable, un autofocus redoutablement efficace, une ergonomie bien pensée, il ne fait aucun doute que Nikon D4 tient aujourd’hui la toute première place sur le segment des reflex numériques. Mais bien au delà de ce leadership qui ne demande qu’à être contesté (par le nouvel EOS 1Dx de Canon par exemple ?), il faut être conscient du privilège que représente l’acquisition de ce fantastique outil de travail qu’est Nikon D4 pour les photographes. Nikon D4. One step further in photography. Ce n’est pas qu’une simple formule marketing. C’est une réalité.

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